"Особенности жанров живописи"

ПЕЙЗАЖ – жанр изобразительного искусства, посвященный воспроизведению естественной или измененной человеком природы. Пейзаж бывает архитектурный, городской, парковый, индустриальный, морской. В работе с детьми чаще используется природный пейзаж.

Пейзаж это не случайно выбранный художником уголок природы или города. Его выбор обусловлен состоянием природы: погодой, освещенностью, временем суток, настроением художника. Художник не фотографирует, а обобщает и творит образы природы. Пейзаж не только выражает настроение, но и несет в себе определенную идею.

Некоторые особенности композиции этого жанра. Прежде всего на пейзажном полотне отражается пространственная протяженность и глубина. Особое место занимает первый план, помогающий раскрыть идею произведения, замысел художника. Важной особенностью пейзажной живописи является соотношение размеров земли и неба на полотне, а также их цветовое отношение, которое создает гармонию колорита. При низком горизонте пейзаж кажется величественным, а при высоком создается ощущение простора.

В композиции пейзажа все художественные образы находятся в равновесии, в ритмическом чередовании цвета и света. Таковы основные особенности использования художником выразительных средств живописи.

Пейзаж ярче других жанров живописи выражает различные оттенки и нюансы чувств, эмоций художника, его отношение с окружающей природой. Пейзажные композиции созвучны с музыкой, поэзией. К каждому пейзажу можно подобрать музыкальное произведение. Так, настроению картины «Голубая весна» созвучна мелодия П.И. Чайковского «Весна» или Н.А. Римского-Корсакова «Песни и пляски птиц» из оперы «Снегурочка», а при рассматривании картины А.А. Рылова «В голубом просторе» кажется, что звучит «Баркаролла» П.И. Чайковского; когда любуемся полотном А.А. Пластова «Первый снег», невольно вспоминается музыка С.С. Прокофьева «Утро». Восприятие картины И.И. Левитана «Золотая осень» можно мысленно сопровождать стихотворными строками А.С. Пушкина.

Унылая пора! Очей очарованье!

Приятна мне твоя прощальная краса –

Люблю я пышное природы увяданье,

Созвучие пейзажа с поэзией позволяет подразделять его на жанры: лирический, эпический, романтический, драматический.

Лирический пейзаж отражает красоту природы, он экспрессивен по настроению, вызывает определенные переживания – чувства грусти и радости, любви к Родине. У таких полотен хочется читать лирические стихи. Картина А.А. Пластова «Сенокос» пробуждает желание вспомнить строки С.А. Есенина:

Край любимый! Сердцу снятся

Скирды солнца в водах лонных.

Я хотел бы затеряться

В зеленях твоих стозвонных.

По меже, на переметке,

Резеда и риза кашки.

И вызванивают в четки

Ивы – кроткие монашки …

Эпический пейзаж раскрывает величие земли. В нем все монументально, написано ярко, звучно. Например, в картинах М.С. Сарьяна «Горы», «Октябрь в Ереване».

Романтический пейзаж вызывает у нас чувства яркие, сильные, страстные. Природа, отраженная в таком пейзаже, ассоциирует с чувствами человека. Картина И.К. Айвазовского «Девятый вал» передает тревогу, душевное смятение, беспомощность человека перед природной стихией; в картине И.И. Левитана «Весна – большая вода» весна – это пробуждение жизни, но вокруг все так спокойно, неподвижно, мирно; кажется, что и душа художника находится в состоянии покоя, созерцания жизни со стороны.

В драматическом пейзаже все изменчиво, напряженно, предвещает бурю, грозу. Такое полотно всегда вызывает ощущение тревоги, смятения, беспокойства. Например, картина К.Е. Маковского «Дети, бегущие от грозы».

Пейзажная живопись, особенно для горожан, является тем видом искусства, воспринимая которое, мы испытываем отдохновение от суеты, от городского шума.

Что в пейзажной живописи должен увидеть воспитатель, чтобы донести содержание произведения до детей дошкольного возраста? Рассмотрим это на примере произведения русского художника-пейзажиста И.И. Шишкина. Для творчества художника характерна страстная влюбленность в русскую природу. Свою любовь он выразил в пейзажах-поэмах, где природа представлена во всем своем величии. Картина «Корабельная роща»: что прежде всего бросается в глаза? Сосны-великаны. Стражи земли. Создается впечатление, что сосны являются как бы мостом между землей и небом. Мощь природы выражена через громадные, устремленные вверх деревья, через сильные стволы сосен. Композиционное построение картины заключается в присутствии двух планов -–леса и опушки с ручьем. Природа раскрывает объятия человеку, она «впускает» в себя, и мы как бы углубляемся в лес вслед за солнечными пятнами. Могучие сосны создают величественный образ Родины, которую каждый должен любить и беречь. И эта любовь художника к природе, Родине выражена в картине светом – залитая солнцем поляна, ручей и солнечные блики на золотисто-розовых стволах сосен. Этот золотистый свет, заливающий всю картину, как бы говорит о нежной и трогательной любви художника к лесу, стремящегося своим творчеством наполнить и нашу душу этим же чувством.

Контраст цвета и света первого и второго планов картины вызывает у нас чувства величия, торжества, нежности и радости, ощущения свежести. Кажется, что от полотна веет одновременно теплым летним ветерком и сумрачной прохладой.

Картина названа художником «Корабельная роща». Она пробуждает какое-то двойственное чувство – восхищение перед могуществом природы и сожаление, недоумение: неужели такие красивые сосны станут материалом для строительства кораблей?

Все пейзажи И.И. Шишкина пронизаны солнцем, любовью к природе, восхищением перед ее величием.

НАТЮРМОРТ – жанр изобразительного искусства, отражающий предметы быта, цветы в букете, орудия труда, книги, посуду, снедь, т.е. все, что создано человеком и природой. Художник выделяет из окружающего мира предмет или группу предметов и раскрывает перед зрителями красоту привычных для людей вещей: он обращает внимание на объем, фактуру, поверхность, пластику, пространственное расположение, форму и цветовое сочетание одних предметов с другими, выражая тем самым свое отношение к ним. Рассматривая натюрморт, мы постигаем свойства и качества окружающих предметов с эстетических позиций, видит то, что ранее не воспринимали. В результате этого мы иначе относимся к вещам, окружающим нас, воспринимаем их как ценность, созданную человеком и природой.

Есть в изобразительном искусстве другой вид натюрморта. В нем предметы говорят не о себе, а о своем хозяине. Как бы дают ему некоторую характеристику. Смотришь на изображение и думаешь, что хозяин этих вещей отошел на минутку и сейчас вернется, как, например, на картине К.С. Петрова-Водкина «Утренний натюрморт».

Каково своеобразие использования выразительных средств в данном жанре живописи? В таком натюрморте предметы объединяются по практическому назначению, один объект соединен с другим по смыслу. Их расположение всегда естественно. Здесь выделяется композиционный центр, главный предмет, обозначенный контрастом, светотенью, расположением. Художник составляет натюрморт из разнообразных форм, материалов, фактуры, цвета, тона, приводя все это в равновесие, подчиняя единому ритму и колориту.

Для натюрморта художник выбирает определенные предметы и соответственным образом их располагает. По тому, как они расположены, как использован цвет, мы можем узнать манеру письма того или иного художника. Если всмотреться в натюрморты А.М. Герасимова и М.С. Сарьяна: «Розы» и «Пионы», то можно увидеть различия в манере исполнения. Картина А.М. Герасимова написана сочными мазками, передающими различные оттенки красного и зеленого цветов, широко использована светотень. Цвет в картине «играет», наполняя полотно светом и радостью.

У М.С. Сарьяна цвет яркий, но локальный (характерный для окраски самого предмета), контрастный, декоративный: несколько резко «звучат» желтый, синий и красный цвета. Пионы в натюрморте М.С. Сарьяна как бы выставляют себя на показ. Здесь художник умело передает тонкую гамму розового цвета. В натюрморте А.М. Герасимова композиционный центр как бы смещен вправо, картина уравновешивается двумя букетами роз, пространство показано через отражение в зеркале и пейзаж за окном. Все в этом натюрморте ярко, объемно, выпукло, гармонично. Натюрморт М.С. Сарьяна декоративен, композиционный центр выделен ярким букетом цветов в большой ярко-желтой вазе. Равновесие в картине достигается путем изображения художником синего подноса справа от воды. Так, через форму и цвет путем контрастов художник достиг равновесия и гармонии в своем произведении.

Рассмотрим еще один натюрморт – «Хлеб, соль и братина» В.Ф. Стожарова. (Братина – шаровидный сосуд XVI-XVII в.в. для питья на братчинных пирах, «на всю братию»). Основная тема этого произведения – хлеб, главный источник жизни на земле человека. Поэтому он в самом центре картины. Художник написал его с любовью и нежностью: хлеб – большой, округлый, поджаристый, высокий, аппетитный, так и хочется его нежно погладить. А рядом золотистый каравай, нарезанный по-крестьянски большими ломтями. Художник как бы призывает любоваться испеченным хлебом, на котором играют золотые блики. Он оттенил хлеб белым вышитым рушником и золотистого цвета братиной. Сверкающая белизна рушника бьет в глаза – как символ чистоты и святости отношения человека к хлебу. Каждый предмет, написанный художником, как бы заслоняет другой, цветом подчеркнута форма, объем, материал, фактура и красота каждого из них; теплый, золотисто-желтый цвет братины и яркая зелень металлической кружки на фоне красного полотна. Красный цвет полотна как бы перекликается с красной вышивкой на рушнике, создавая ощущение радости и вечности жизни. Художник интересно подобрал предметы различной формы: высокая вытянутая бутылка и широкая массивная керамическая плошка, угловатая, почти прямоугольная кружка и рядом округлая, изящно выгнутая деревянная солонка в виде уточки, а светлое большое деревянное золотисто-желто-коричневое тело братины уравновешивается темно-коричневыми хлебами.

Равновесие в картине чувствуется и в созвучии темного цвета занавески с темным цветом стола, а весь натюрморт написан на фоне освещенной солнцем бревенчатой стены. Это равновесие форм и цвета создает единую гармонию, вызывающую у нас чувства покоя и радости, любования, благоговения перед хлебом.

ПОРТРЕТ. По мнению И.Э. Грабаря, высшее искусство есть искусство портрета. Прежде чем знакомить дошкольников с этим видом искусства, воспитатель должен иметь представление о данном жанре. В чем специфика этого жанра? Портрет – это прежде всего изображение или описание какого-либо человека или группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности. Ценность портрета зависит от того, насколько глубоко художник сумел понять внутренний мир изображаемого человека, передать его характерные черты. Показав человека умным или глупым, гуманным или жестоким, хитрым или простодушным, можно как бы рассказать о всей его жизни.

Своеобразные отличительные особенности портретов заключаются в том, что портрет должен убедительно и правдиво передавать внешний облик изображаемого человека, выражать черты характера человека и его душевное состояние, определяемое замыслом художника, в портрете отражаются общие черты целой группы людей эпохи, к которой принадлежит портретируемый.

Этот жанр является самым сложным в изобразительном искусстве. Сложность восприятия портрета заключается в самой сути этого произведения искусства. С одной стороны, художник, раскрывая перед зрителем образ человека, выражая его внутренний мир, высказывает о нем свое мнение. Зритель же самостоятельно пытается понять внутренний мир, мысли и чувства человека, изображенного на полотне, согласиться или не согласиться с художником, составить свое мнение об образе.

Художники воспроизводят облик человека по-разному: в привычной для данного человека обстановке, которая помогает нам узнать о его профессии, интересах, глубже раскрыть внутренний мир героя (М.В. Нестеров «Портрет скульптора В.И. Мухиной»). Портрет может быть написан и на фоне пейзажа (природного или городского), который тоже дополняет представления зрителей о чувствах, мыслях, настроении, выраженных в художественном образе (В.М. Васнецов «Аленушка», И.И. Бродский «Портрет А.М. Горького»). Иногда в портретах мы не находим дополнительных деталей, помогающих понять внутренний мир изображенного художником человека, в этом случае зритель постигает его через глаза, мимику лица, руки (С.В. Малютин «Портрет Д.А. Фурманова», К.С. Петров-Водкин «Портрет Анны Ахматовой»). Существуют и групповые портреты, которые органично связаны сюжетом картины; художник раскрывает типичный образ через индивидуальность каждого человека (П.Д. Корин «Портрет художников Кукрыниксов»).

В чем специфика восприятия жанра портрета? Главное в портрете – лицо, в частности глаза и губы. Именно лицо раскрывает духовный мир человека. Дополняют представление о нем руки, по ним можно судить о профессии, чертах характера, здоровье изображенного человека. Существенное значение имеют поза и жест. Они всегда согласуются с лицом. Поза и жест помогают не только дополнить представление о характере художественного образа, но и определить его внутреннее эмоциональное состояние. Немаловажную роль в этом играют костюм и фон портрета. Они подчеркивают профессиональную и социальную принадлежность изображенного человека.

В портретной живописи имеет значение и размер холста. Его выбор зависит от позы человека. В портрете П.Д. Корина «Александр Невский» холст вытянут вертикально, как бы подчеркивая величие и мощь полководца. «Портрет Н.П. Кончаловской» написан П.П. Кончаловским на холсте квадратной формы. Это обусловлено и позой женщины, и настроением, переданным художником.

Особенность портретной живописи состоит в том, что один художник воспроизводит черты конкретного человека, а другой – обобщенный образ современника, его социальное положение, национальность, возраст, т.е. создает определенный тип.

В портрете всегда должно быть абсолютное сходство, которое в искусстве живописи достигается единством и гармонией изображений внешних и внутренних свойств человека.

Несмотря на то, что жанр портрета является сложным для восприятия детьми дошкольного возраста, работа по ознакомлению с русской жанровой живописью в детском саду показала, что дошкольники проявляют интерес к портретам людей, пытаются понять переданное художником настроение по мимике лица, рукам.

Покажем это на примерном анализе некоторых портретных произведений русских художников П.П. Кончаловского, П.Д. Корина, М.В. Нестерова, в которых наиболее ярко проявились особенности портретного жанра.

Портреты П.П. Кончаловского отличаются интимностью, непосредственностью, лиричностью, в них звучит отношение самого художника к изображенному образу. Особенно это заметно в его работе «Портрет Н.П. Кончаловской». Портрет динамичен, движения женщины непринужденные, кажется, что она сейчас наденет туфельку и выпрямится. В ее лице столько задора и даже озорства! Создается впечатление, что она только на мгновение повернула к нам свое улыбающееся лицо. Еще мгновение и в картине все изменится. Это пример лирического, интимного портрета.

Если сравнивать произведения П.П. Кончаловского с портретами П.Д. Корина – «Портрет Н.А. Пашковой», «Портрет А.Н. Толстого», то можно увидеть, что П.Д. Корин изображает людей с сильным характером и волей. Все в них строго, собрано. Портреты П.Д. Корина отличаются монументальностью, цельностью, лаконичностью и в композиции, и в жестах, и в мимике, и в цвете. Их можно назвать монументальными портретами.

Портреты М.В. Нестерова, учителя П.Д. Корина, отличаются, наоборот, динамизмом как в цвете, так и в композиции. Это ярко просматривается в его работе «Портрет скульптора В.И. Мухиной». В произведении в едином движении, порыве соединены скульптор и создаваемая ею работа. Энергичные движения рук скульптора и рвущиеся вперед руки скульптуры соединены, замкнуты. Особую энергию, напряжение, движение мысли, проявление чувств мы видим на лице и в глазах В.И. Мухиной.

Динамика, присущая портретам М.В. Нестерова, выражена и в цвете – черный, белый и красный. Они как бы пульсируют, сражаются. Все эти свойства художник подчинил одной идее – выразить увлеченность, вдохновение, творческий порыв скульптора.

О портретах детей.

Мир сверстников, близкий детям по чувствам и мыслям, вызывает у них адекватные ассоциации. Именно встреча с детскими портретами позволяет дошкольникам глубже проникнуть в мир чувств взрослого человека. Рассматривая портреты, дети постигают особенности движения тела человека, соразмерность его частей, что с трудом ими передается в рисовании и лепке. Эти знания дошкольники затем переносят в собственную изобразительную деятельность.

Рассмотрим портрет В.А. Серова «Мика Морозов». Свое внимание прежде всего обращаем на лицо и глаза, в которых видно проявление смешанных чувств ребенка: удивление, недоумение, порыв и сдержанность, желание узнать, а что там, и некоторый страх перед неизведанным.

Контрасты чувств, движений, цвета и света в этом произведении использованы художником как основное средство выразительности. Мягкий цвет лица, белый цвет рубашки подчеркивают нежность, непосредственность и незащищенность ребенка. Глядя на этот портрет, дети легко определяют состояние мальчика. Эта картина вызывает у них ассоциации их собственного эмоционального опыта. Они начинают дополнять картину эпизодами, которые могли бы вызвать такое эмоциональное состояние у Мики: это и «живая шляпа», и «кто-то постучался», и «боится темноты» и т.п.

Мальчик изображен с близкой точки зрения. Он как бы находится рядом с нами, под нашей защитой и верит в то, что взрослые помогут ему справиться с робостью, рассеют страхи, откроют для него тайну невидимого.

Портрет И.Е. Репина «Стрекоза» совсем другой и по композиции, и по цвету, и по настроению. Здесь покой, гармония, естество, непринужденность ребенка и природы. В этом произведении совсем иная точка зрения. Художник смотрит на ребенка снизу, таким образом как бы вознося дитя над землей, любуясь им, радуясь ему.

Девочка написана крупно, различными оттенками зеленого цвета с бликами желто-золотистого, что вызвало у художника ассоциации со стрекозой, так он шутливо назвал и девочку, и свою картину. Переливы зеленого цвета в одежде, нежные светло-зеленые и светло-голубые тона луга и безоблачного неба – все передает любовь художника к ребенку, его безоблачному, беззаботному детству. Вся картина пронизана ярким солнцем, светом, в ней много воздуха и небесного простора, легкости и радости.

Распространенным видом станковой живописи является сюжетная композиция, называемая иначе жанровой живописью. Она также имеет свои подвиды: бытовой, исторический, батальный, мифологический. Определяя специфические особенности жанровой живописи, коснемся лишь одного жанра -–бытового, поскольку он доступен пониманию детей дошкольного возраста, близок опту ребенка.

Жанровая живопись рассказывает о труде и быте разных людей, об их успехах, радостях и невзгодах. Поскольку тема жанровых картин всегда рождается из жизненных ситуаций, то произведения данного жанра позволяют нам приобщать детей к социальному опыту своего народа, его национальным традициям, нравственно-эстетическим идеалам. Художник с помощью выразительных средств оценивает взаимоотношения людей, взаимосвязь между обществом и личностью.

Картины жанровой живописи, в отличие от портрета, раскрывают не конкретно-определенную личность, а типичный обобщенный характер человека. Ребенок, воспринимая в жанровой живописи образы других людей, постигает красоту не только художественного образа, он приучается видеть красоту и своих поступков, действий, осознает себя частицей общества.

Познание духовного мира людей через жанровую живопись позволяет формировать у детей дошкольного возраста нравственно-эстетическую восприимчивость и чуткость, уважение к труду.

Образ человека-труженика в картинах отечественных художников многообразен. Это и труженики полей (А.А. Пластов «Ужин трактористов», Н.П. Карачарсков «На полях Чувашии»), это и женщины за рулем комбайна – Б.М. Назаров «Капитаны голубых кораблей», за ткацким станком (В.В. и Н.П. Родионовы «Красные ситцы»), у домашнего очага (Ю.П. Кугач «В субботу»).

В жанровой живописи широко представлена и тема детства, отрочества. Картины эти пронизаны радостью, солнцем, яркой цветовой гаммой (А.А. Дейнека «У моря», «Будущие летчики»; А.П. и С.П. Ткачевы «Детвора»; И.А. Попов «Первый снег»; О.Б. Богаевская «Гости» и др.).

Сюжеты жанровых картин условно можно разделить на простые и сложные. Простые сюжеты всегда лишены развертывающего действия и внутреннего конфликта, просты по содержанию, выражению эмоций. Сложный сюжет выражает жизненный конфликт, в нем всегда есть противоречие (Ф.П. Решетников «Прибыл на каникулы», «Опять двойка»; С.Г. Григорьев «На собрании», «Обсуждение двойки» и др.).

Идея жанровой картины скрыта от глаз зрителя. Она выражается в конкретном содержательном художественном образе. Идею картины надо увидеть путем анализа взаимоотношений между изображенными людьми, мотивировки их поведения, композиционного построения и цветового решения.

Жанровая живопись отражает один жизненный момент, но художник воссоздает его так, что мы воспринимаем изображенное действие как длительное событие, ассоциативно воспроизводим предшествующие и последующие картине события. Такое быстрое прочтение содержания жанровой живописи обусловлено композиционным построением картины, где смысловой, композиционный центр сразу привлекает наше внимание.

В композиции жанровой картины нет ничего лишнего, не связанного с композиционным центром. Каждая деталь, каждое цветовое пятно имеют значение в раскрытии замысла художника, идеи картины.

В жанровой картине художник пишет композиционный центр детально, ярко, сочно, а второстепенный, подчиненный ему образ, предмет более обобщенно. Логику восприятия произведения художник указывает либо жестами-движением изображенных образов, либо цветом и светом. Так, в картине А.П. и С.П. Ткачевых «Трудовые будни» наше внимание первоначально обращено к центральным фигурам, а затем их позы, взгляды перемещают наш взор на фигуры женщин, а далее на второй план – изображения людей, неба.

Жанровые картины могут быть различного типа: с немногочисленными действующими лицами и многофигурные композиции с более сложным сюжетом.

Цвет в жанровой картине помогает выявить композиционный центр. Он более яркий и интересный, привлекает наше внимание. Учитывая особенности внимания дошкольника – замечать все яркое, надо учить его выделять композиционный центр вначале с помощью цвета, понимать взаимосвязь между цветом и содержанием. Чем дальше от композиционного центра, тем цвет и свет как бы гаснут, становятся приглушенными, лишь иногда вспыхивают, как искорка, в какой-нибудь детали. Так, в картине Ю.П. Кугача «Семья» красный цвет выступает основным, с помощью которого в центре картины изображены люди, а в одежде фигур слева он лишь вспыхивает точками.

Колорит картины всегда соответствует изображенному моменту реальной действительности. Он отвечает времени года, состоянию погоды, освещенности, настроению и состоянию изображенных людей. Цвет в жанровой картине, по сравнению с пейзажем, выступает как бы ярким эмоциональным дополнением к содержанию и композиции, воздействующим на наши мысли, чувства, настроение, вызывает различного рода ассоциации (эмоциональные, эстетические, нравственные, обращенные к своему опыту, воспоминания о сходных ситуациях и пр.).

Самым главным в жанровой живописи является глубокое и реальное воспроизведение образов людей и событий, жизненная правда, посредством восприятия которой ребенок приобщается к жизни.

ЗНАКОМСТВО С ПОРТРЕТНОЙ ЖИВОПИСЬЮ

Занятия по ознакомлению дошкольников с портретной живописью строятся несколько иначе, чем с жанровой и пейзажной, как по структуре, так и по методам их проведения. Это обусловлено особенностью портретного жанра.

Чтобы научить понимать и чувствовать произведения портретной живописи, необходимо помочь детям освоить особенности изобразительного «языка» данного жанра. Это можно достичь при условии систематических встреч с произведениями портретной живописи и организационных бесед.

Первая встреча с портретной живописью сложна тем, что воспитателю необходимо вызвать сильный эмоциональный отклик на данный жанр живописи и устойчивый интерес к нему, а также дать понятие о том, что такое портрет, для чего его создают художники и почему так важно научиться смотреть и видеть это произведение. Первую встречу с портретом лучше проводить в музее или детском саду с использованием подлинника и его репродукций.

Беседа может быть построена следующим образом. Воспитатель предлагает внимательно посмотреть на рядом сидящего товарища и рассказать о нем.

Затем дети рассматривают фотографии, которые по просьбе педагога принесли из дома, сравнивают их с теми, кто сфотографирован, отмечают, какими они здесь изображены. После этого воспитатель показывает портрет, который предстоит рассмотреть, объясняет, что это репродукция, т.е. фотография портрета, подводит детей к выводу: «Портрет, написанный рукой художника, только один, а его копии находятся в разных музеях, так же как и каждый из вас только один, а фотографий с вашим изображением много».

Далее воспитатель объясняет: «В каждом портрете художником скрыта «тайна», которую люди отгадывают, если внимательно вглядываются в изображение. После первой встречи с портретом его необходимо оставить в группе, чтобы дети могли еще раз рассмотреть его и составить свое представление.

Все беседы с портретной живописью строятся на основе трех групп вопросов:

1. Вопросы, раскрывающие содержание картины: кто изображен? Что можете рассказать о нем (о ней)? Что еще изображено? Что эти предметы (фон) рассказали о человеке?

При рассматривании портрета можно ставить вопросы, выходящие за рамки его содержания, например: о чем думает девочка? Где она была? Что будет делать? Это дополняет сюжетную линию, более глубоко раскрывает эмоциональное состояние изображенного человека, развивает фантазию ребенка.

1. Вопросы, позволяющие менять настроение, чувства изображенного человека: почему художник изобразил его таким? О чем говорят глаза? Какую «тайну» в человеке раскрывает лежащая рука, деталь одежды и т.д.?

2. Вопросы, помогающие выделить средства выразительности, используемые художником (колорит, композиция, фон и т.д.), например: почему одна часть лица на портрете светлая, а другая темная? Почему художник изобразил человека в такой позе?

В ходе беседы используются следующие методы и приемы:

ПОЯСНЕНИЕ. Применяется в ходе первых бесед для уточнения представлений детей. Этот прием используется и в том случае, если ребенок затрудняется ответить. В дальнейшем пояснения можно заменять вопросами, подводящими детей к самостоятельному объяснению.

СРАВНЕНИЕ. Данный прием способствует развитию мыслительных действий: анализа, синтеза, умозаключения.

Сравнивая разные по настроению картины, обращают внимание на зависимость средств выразительности от содержания общего настроения картины.

АКЦЕНТИРОВАНИЕ ДЕТАЛЕЙ. Суть данного приема в следующем: при восприятии портрета все изображение закрывается листом бумаги, остаются только глаза, или руки, или какая-то иная деталь.

Это помогает подчеркнуть выразительность важной части портрета, сосредоточить внимание именно на ней, помочь установить взаимосвязь между частью и целым.

МЕТОД АДЕКВАТНЫХ ЭМОЦИЙ. Направлен на то, чтобы вызвать у детей чувства, настроение, соответствующие состоянию изображенного на картине человека.

Используя этот метод, важно учитывать связь предстоящего восприятия с предшествующим опытом дошкольников. Предлагая вспомнить сходную ситуацию, рассказывая, в каких случаях у детей было такое же настроение, устанавливаем ассоциативную связь с уже имеющимся опытом, дающую возможность с помощью живописного произведения восстановить ранее виденное и пережитое.

ПРИЕМ «ВХОЖДЕНИЯ» В КАРТИНУ. Предлагается детям представить себя на месте изображенного на портрете человека. Это оживляет восприятие, будит воображение, вызывает чувства сопереживания, сопричастности.

МЕТОД МУЗЫКАЛЬНОГО СОПРОВОЖДЕНИЯ. При рассматривании портрета часто звучит музыка, характер которой соответствует содержанию и настроению картины. Это облегчает процесс восприятия, делает его более глубоким.

ИГРОВЫЕ ПРИЕМЫ. В процессе беседы им отводится большое место. Игровые приемы помогают вызвать интерес к произведению, сосредоточить внимание детей на необходимой для восприятия части портрета. Например: «Загадай что-либо о руке (глазах, одежде и т.д.), а мы отгадаем»; «Определи, к какому портрету подходит эта музыка»; «Придумай свое название портрету»; «Передай в движении положение руки (головы и т.д.) изображенного на картине человека»; «Откроем «тайну» человека, скрытую от нас художником».

Портретная живопись учит нас понимать душевный мир другого человека, бережно к нему относиться.